••LA MENESUNDA SEGÚN MARTA MINUJÍN••
Cincuenta años después de la histórica ambientación que Marta Minujín realizó junto a Rubén Santantonín en mayo de 1965 en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella, el Moderno se convierte en escenario y testigo de una reconstrucción fiel que se desplegará dentro de un espacio de 400 metros cuadrados en el primer piso del Museo.
La Menesunda -"mezcla", "confusión", en lunfardo- consistía en una estructura laberíntica que incluía un recorrido por once situaciones y se organizaba a partir de una secuencia de espacios cúbicos, poliédricos, triangulares y circulares, recubiertos por diferentes materiales, que generaban estímulos multisensoriales en el visitante.
La Menesunda según Marta Minujín recupera en la actualidad el conjunto de relaciones materiales, sensoriales y simbólicas que hicieron posible su existencia en 1965. Fue una experiencia de ruptura respecto a los lenguajes visuales de la década. Durante medio siglo se fue cargando de múltiples significaciones y relecturas, hasta transformarse en una obra central del imaginario cultural argentino. Hoy, el Moderno propone una experiencia que apunta a repensar la carga legendaria depositada en la obra original. De esta manera, la reconstrucción realizada en 2015 invita a hacer nuevas lecturas del pasado, pero también despierta reflexiones y sensaciones en un contexto contemporáneo.
3 - 5 de octubre, 2014
Centro Cultural Estación Mapocho
Santiago, Chile
‘Under the Same Sun,’ Art From Latin America, at Guggenheim
Cada vez que tenemos que escribir sobre Marta Minujín o reportear a la artista, sabemos de antemano que la sorpresa y el asombro serán inevitables. A eso hay que agregarle el frenesí que esta mujer hiperactiva, que mantiene el espíritu rebelde, alegre y zumbón de los años de la Menesunda, contagia inevitablemente con su entusiasmo, su capacidad de ver el mundo como una gran obra de arte. Aunque es sabido, hay que añadir que a la artista pop más importante de Latinoamérica le fascina decir que transcurre sus días como si fuera una historieta que ella misma dibuja, y siempre que puede reitera que "todo es arte".
FROM THE ELLA FONTANALS-CISNEROS COLLECTION DEBUTS DURING ART BASEL MIAMI BEACH 2013
A collaboration between the Cisneros Fontanals Art Foundation and Museum of Fine Arts, Boston
Ayer se desarmó el Agora, una estructura de 32 columnas con 25 mil libros adheridos
26 September to 15 December 2013
Una extensiva muestra en la Fundación Proa reflexiona sobre los cambios que sufre y sufrió Buenos Aires.
La exposición ¨Buenos Aires¨, en Fundación Proa, descifra el jeroglífico urbano repasando la historia de sus representaciones.
A mediados de 1985, la notable Marta Minujín presentó en el Centro Cultural Recoleta una instalación que confrontaba al espectador con la efervescente tecnología de la época. De la exposición original hoy se exhiben unos paneles pintados en su taller, demostrando la vitalidad pop de la gran Diva del arte contemporáneo en Buenos Aires. ¨Laberinto Minujinda (1985-2013)¨ puede visitarse en 11 x 7 Galería.
“Marta Minujín: Laberinto Minujinda”. Galería 11 x 7. Libertad 1628. “Leandro Katz: arrebatos, diagonales y rupturas”, Espacio Fundación Telefónica. Arenales 1540.
Los consagrados Marta Minujín y Leandro Katz confluyeron en Nueva York y ahora coinciden en Buenos Aires, en exhibiciones donde sobrevuela la figura de Borges. Ambos son parte del proyecto de recuperación y difusión de artistas históricos argentinos, pioneros en el arte asociado a la tecnología, promovido por las fundaciones Telefónica y Espigas. “Minuphone” de Minujín fue recreado en 2012, junto a un libro con investigaciones y documentos. Ahora es el turno de Katz, con selección de obras que “abordan la tecnología de la imagen reproducida” y presentación de un volumen dedicado a su obra, el 7 de agosto a las 19.
Laberinto Minujinda
Vivir para y por el arte
por Marcela Costa Peuser
La muestra que se presenta en la Galería 11 x 7, hasta el próximo 8 de agosto, reedita parte de la instalación que la artista presentó en 1985 en el Centro Cultural Recoleta.
Preferidos de artBA 2013
Evocaciones personales e históricas, nostalgia y emoción, celebración del arte y los artistas, en galerías y espacios corporativos.
Dólares no, ventas sí
Con muchas adquisiciones realizadas en pesos, arteBA volvió a constituirse en un espacio legitimador apreciado por artistas y galerías.
Por Ana Maria Battistozzi
LA TATE MODERN DE LONDRES ADQUIRIÓ OBRAS HISTÓRICAS DE MARTA MINUJÍN PARA EL MUSEO
La TATE MODERN de Londres ha elegido arteBA 2013 para la adquisición de obras de arte que pasarán a formar parte de su colección permanente. Gracias al apoyo de particulares argentinos, se originó un fondo destinado a esta adquisición. José Roca (Curador Adjunto de Arte Latinoamericano Estrellita B. Brodsky de la Tate Gallery) y los donantes particulares visitaron la feria y discutieron el trabajo de una decena de artistas.
La obra escogida fue la documentación de una acción pública de la artista Marta Minujín, una de las creadoras argentinas más importantes de su generación. Se trata de cinco fotografías y un video de época de la instalación/acción pública Partenón de libros, realizada en 1983 para celebrar el retorno de la democracia a la Argentina. Esta pieza cobra especial significación este año al conmemorarse tres décadas de este suceso tan relevante. La obra en cuestión está expuesta en 11x7 Galería (argentina) / Henrique Faría Fine Arts (Estados Unidos) -número de stand D51- y se podrá ver expuesta hasta el lunes 27 de mayo cuando se dé por finalizada la vigésima segunda edición de arteBA en el Predio Ferial de La Rural.
Pop, Realismi e Politica. Brasile - Argentina, anni Sessanta
08.03.13 - 26.05.13
A cura di Paulo Herkenhoff e Rodrigo Alonso
Inaugurazione: giovedì 7 marzo 2013, ore 18:30
Dall’8 marzo al 26 maggio 2013 la GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo è lieta di ospitare POP, REALISMI E POLITICA. Brasile – Argentina, anni Sessanta.
Curata da Paulo Herkenhoff e Rodrigo Alonso, la mostra presenta e analizza la produzione artistica in Brasile e in Argentina negli anni Sessanta, evidenziando la creatività e l’originalità degli artisti e le sfide che essi hanno dovuto affrontare in una decade caratterizzata da profondi cambiamenti sociali.
Cuatro: Leandro Katz, David Lamelas, Marta Minujín, Horacio Zabala
Pensar es discriminar. Si no hubiésemos podido extraer unidades discretas del magma informe del caos, jamás habríamos pensado. No sabemos cómo lo lograron los hombres del paleolítico, pero lo cierto es que hace miles de años, de la nebulosa sinsentido de lo real se extrapolaron sentidos básicos que luego adquirieron la potencia abstracta de lo que hoy llamamos ideas.
Marta Minujín recogió cenizas del volcán Puyehue en la región de los lagos Villarino y Faulkner y también tomó fotografías que documentan el efecto de las cenizas volcánicas sobre ese territorio. Ella quedó profundamente conmovida al ver que el paisaje multicolor de los Andes patagónicos se transfomó en una pesadilla monocromática. Su instalación es una reflexión visual sobre el poder sobrecogedor de la naturaleza cuando se manifiesta de manera violenta.
Leandro Katz inscribe en el frasco de cenizas volcánicas la oposición que funda el sentido mismo de lo humano: Eros y Thanatos. La potencia de la vida y la fuerza de la muerte. Con los cuatro colores relacionados con el fuego, Katz compone una partitura visual que tiene la energía de una ópera, pero que es tan sutil y ambigua como una sinfonía. Pone a disposición del espectador un repertorio cromático y un juego de asociaciones que pueden intercambiarse. Es un ajedrez, en el que los colores cálidos, una llama y una serie de palabras (tragedia, drama,comedia, farsa) dibujan un aleph del sentido.
La obra de David Lamelas parece tan simple y tan explícita que hablar sobre ella suena a sobrecargarla. Dos relojes marcando distintas horas. Pero nada es tan simple ni nada es tan explícito. El trabajo de Lamelas presenta una reflexión sobre el conjunto de esta muestra: exhibe el intervalo, ese espacio entre dos momentos distintos o entre dos objetos. En ese agujero entre temporalidades y espacios, se construye la trama discreta de nuestro trágico destino: ser para la muerte.
Horacio Zabala presenta obras de su serie Hipótesis. Estos trabajos ponen en relación monocromos con signos. Trazan el mapa conceptual de un pensamiento visual preocupado más por las correspondencias sintácticas que por el contenido. Es una lógica visual-conceptual que en su vacío esencial concluye en poema. Su tan callada música opera como máquina de imaginar.
Daniel Molina
Marta Minujín mano a mano con Analia Saban: un encuentro generacional inusual
Marta, me quedan algunas preguntas que me gustaría hacerte. Muchas veces te escuché decir que venís de otro planeta. Entonces, ¿cuánto sentís que sos autora de tus obras?, quizás sientas una canalización del inconsciente colectivo, algo así como que las ideas pueden llegar a venir de otro lado. En el caso de ser así, ¿sacaste alguna conclusión al respecto?
MM: nunca siento que es mi obra, sino que me trasciende. Las ideas se me ocurren solas, como si las ideas me usaran.
AS: hace unos días coincidimos con Marta en Paris. Llegamos el mismo día, una casualidad más. Marta iba a mostrar sus films en la retrospectiva que le organizó el Pompidou y yo estaba por inaugurar una exhibición en la Galería Praz Delavallade. Entonces fui al Pompidou y a ldía siguiente Marta vino a mi muestra.
Pero viendo todas las películas (era una retrospectiva bastante grande), mostraron desde El Partenón de libros, los registros hippies, todo hasta La torre de Babel. Y yo pensaba “Cuanta energía” y una de las películas que presentaste fue la realizaba bajo los efectos del LSD y me pareció interesante porque justo ahora que murió Steve Jobs en California, él habló mucho que una de sus influencias más grandes para su creación que revolucionó Apple fue que él experimentó con LSD y que ni personas tan cercanas como su mujer podían llegar a entender por lo que había pasado. Pero después cuando terminó la película dijiste “al final lo único interesante de esta película es que está hecha bajo el efecto del LSD”.
MM: si, exacto.
AS: entonces, te quería preguntar si sacaste alguna conclusión al respeccto.
MM: bueno, sirve muchísimo porque te expande la consciencia y ves las cosas con mucha intensidad y si vivís realmente en ese efecto vivís otra vida porque los hippies tenían una vida paralela a la sociedad. Una sociedad que se estrelló, pero fue tan interesante haberlo hecho que lo volvería a hacer, aunque ahora sería totalmente antiguo hacerlo.
AS: pero después a nivel creación de obra, ¿sirvió realmente?
MM: a nivel creación de obra no sirve porque el arte psicodélico pierde la identidad. Si vos abrís un libro de arte psicodélico no podés identificar a quién pertenece la obra de cada artista.
AS: ¿y eso es malo? ¿Importa?
MM: Y si importa porque por algo existimos. Atravesás el movimiento hippie, lo vivís y todo pero ese arte psicodélico no tiene un interés plástico en sí, en la historia del arte. El los 60 se abrieron más puertas para el arte. Toda la década es como el Renacimiento y en estos últimos 40 años siguen aquellas tendencias, pero no hay puertas que se abran.
AS: eso también te quería preguntar porque me pareció que luego de ver tu retrospectiva, luego de haber conocido a Warhol, Dalí, a tantos, a Kaprow, a toda esta gente que sabían cómo divertirse, digamos volvés a encontrar significado en el día a día, que no tiene ese vértigo. Me parece que la vida de ahora es aburridísima si la comparás con esos años.
MM: bueno no, porque de pronto logro hacer un arte imposible como La torre de Babel. Creo en lo imposible.
AS: entonces el significado lo encontraste en tu propia obra. La motivación, las ganas de seguir divirtiéndose. Eso lo llevaste a tu propio trabajo.
MM: a mi propia vida.
AS: sobre tu encuentro con la muerte que sucedió tan temprano con la muerte de tu hermano. Yo también tuve varias experiencias, desde que explotó la Embajada de Israel, en el 2005 me secuestraron por unas horas y pensaba que me iban a matar. Estar en contacto con la muerte fueron una motivación a la vez que saber desde muy temprano que esto se termina.
MM: la experiencia fue catastrófica. La experiencia de la muerte de mi hermano y todas las muertes son catastróficas.
AS: ¿y el suicidio?, ¿por ejemplo el de Greco?
MM: no, el de Greco yo lo considero una obra de arte. Era arte. Inclusive me pareció fantástico porque siempre lo quiso hacer. No era negativo. Era hacer de su propia vida y decidir su propia muerte.
AS: pero vos lo querías salvar porque ibas a buscarlo.
MM: si, cuando era muy chica quería salvarlo, pero después ya no porque me pareció que tenía que hacer lo que quería, tenía que elegir su vida.
AS: pero eso de alguna forma te sirve de motor? Porque también veo en estos últimos años, y lo escuché en una entrevista que hay que apurarse, que hay que hacer cosas. ¿Te sirve de motor saber que hay un límite de alguna forma?
MM: y sí, hay un límite del tiempo. El de la edad. Hay un límite. Creo que siempre hay que pensar en algo imposible para hacer porque te da un motor para seguir. Podés hacer cosas aburridas pero si tenés algo imposible en que pensar, ese imposible no existe.
AS: con respecto a tu proceso creativo. Por un lado acá te conoce todo el mundo, siempre hay un montón de gente a tu alrededor, ¿pero sentís soledad en tu proceso creativo? Vos y tus ideas, ¿cómo te llevás con esa soledad?
MM: mal, me siento mal porque no puedo estar sola, me agarra una angustia existencial, terrible (pausa). Es esa angustia de existir que no la podés razonar.
AS: ¿qué tipo de recursos utilizás? ¿Te sirve rodearte de gente?
MM: el trabajo me salva, aunque no me interese lo que hago. Ya la actividad me salva.
AS: otra cosa, a veces me parece que los artistas de base empiezan a buscar reconocimiento, buscan la fama, quería preguntarte cómo te fue en ese plano ¿Tenés alguna conclusión al respecto? ¿Alguna vez te lo cuestionaste? ¿Fue un tema impulsivo?, ¿valió la pena?
MM: creo que me tocó por destino porque siempre fui distinta a los demás. El ser diferente llamó la atención y ocurrió todo lo que ocurrió. Después en el momento de la fama, que fue con Warhol, ahí lo único que sentí que me interesaba la fama, pero en el sentido que a los demás le interesase la fama. Pero a mí no me interesaba ser famosa. Lo que me interesaba era el interés, la curiosidad de por qué la gente buscaba la fama.
AS: claro.
MM: para obtener dinero, prestigio, dinero, para obtener lo que sea.
AS: ¿y tu propia motivación por la fama de donde venía?
MM: fue por casualidad. Es que hice algo tan contundente como La Destrucción y todo lo que vino después que fue inevitable. Accidentes de la vida que te van llevando.
AS: cuando te volvés autocrítica con vos, ¿cuáles son tus pensamientos?
MM: lo supero.
AS: lo tirás a un costado y seguís adelante
MM: si.
AS: y la última pregunta es ¿talento o disciplina? ¿Cuál de los dos te ayudó más?
MM: talento. Talento natural. Yo creo que soy genia, ese es el tema. Creo de verdad y siempre lo creí entonces no me importan que me digan “no lo es, no lo es” porque yo creo que soy un genio…
AS: pero hay una frase en inglés que dice “Talent is cheap”, ¿no? Sin disciplina también es … bueno existe esa frase.
MM: ¿viste que dicen que hay que practicar 8 hs por día el piano?, bueno yo no creo en eso, podés ser un genio sin practicar. Pero lo que pasa es que también el oficio te lleva, te lleva el entorno. Entonces el trabajo sirve para desarrollar ideas. Vos estás haciendo algo mecánico, por ejemplo yo pongo venecitas o tantas cosas aburridísimas que hice, pero vuelo.
AS: como para que no se atrofien los dedos del pianista.
MM: para poder volar. Lo usas como un aeropuerto. Si vos vas a tu estudio es tu aeropuerto. Ahí volás o no volás.
AS: bueno, pero hay que tener la disciplina de ir al estudio.
MM: ah, eso sí.
AS: nada más.
Agradecimiento: Jimena Ferreiro
Buenos Aires, 18 de noviembre de 2011 en 11x7 la Galería.